服飾の概念を変えた「日本ファッション」の衝撃
ここで、20世紀後半のファッションに大きな衝撃を与えた川久保玲、山本耀司、そして三宅一生ら、優れた日本人デザイナーの仕事について改めて考えてみたい。彼らが大胆に提案した、西欧とは異なる文脈からの創造的な服は、当初ファッションジャーナリストたちから厳しい非難を浴びたにもかかわらず、欧米諸国がヘゲモニーを握るファッション界の牙城の一角に食い込み、やがて世界から高い評価を得ることになった。川久保と山本が提示したミニマルなファッションは、色彩を禁欲的に黒と白に絞り、装飾を排除した、いわば“引き算の美学”であり、“わび・さび”の系譜につながる日本の文化的な特質を示していた。20世紀になって、建築をはじめとして、主に西欧のデザイン分野では日本の美学と深く関わるようなミニマル志向の動きが見られるようになった。川久保たちはファッションの分野でもそうした動きを推し進め、当時主流だった饒舌(じょうぜつ)なファッションとは対極的な静謐(せいひつ)な美学を前面に押し出していった。
直線的な裁断方法によって作られた彼らの服は、きもの文化との関わりを如実に示している。それは、身体の線に沿わずゆったりと身体を包んでいた。美しい身体のフォルムを再現する西洋の服からすれば、極めて異端だった。当初、フォルムがないと厳しい批判に晒(さら)されたが、それはきものという抽象的な衣服造形のDNAを受け継ぐ彼らの、身体の彫塑という呪縛に囚(とら)われない姿勢とつながっていた。
きものは、これまでの西欧の服にはなかった、不可解な空間にも見える「間(ま)」を持つ。服がより自由な造形へと飛躍しようとする時代、そうした異質な造形感覚は日本人デザイナーたちを優位な立場に立たせることになった。またそれは、「女性服は女性らしい曲線的な身体の輪郭を再現するものだ」という固定観念を破壊することで女性性を曖昧にし、西洋の服が持つ歴史的、象徴的な意味を解体するものでもあった。やがて「日本ファッション」は、欧米主導のファッションの既成概念に風穴を開け、新しい方向へとファッションを向かわせていった。
伝統的な染色技術を継承する日本の繊維産業
彼らの使う素材は、厳しい批判にもかかわらず、当初から非常に高く評価されていた。服の新しい表情や質感、先端性と独創性を備えたダイナミックな造形性を実現するために、素材は必須の要素である。形が単一なきものでは、素材が差異化の鍵となる。この伝統を先験的に受け継いでいる彼らは、デザインを考える前から素材選びを視野に入れ、テキスタイルを開発した。
それを支えたのは、日本の繊維産業だった。かつて、高度に洗練されたきものの織りや染めをはじめ、絞りや刺繍(ししゅう)など多岐にわたる装飾法の伝統は、日本各地で培われた。和服から洋服へ移行したが、長い歴史を持つ染織技術の伝統を引き継いだ現代日本の繊維産業は、たゆまない技術開発を続けた。今も世界から、先端技術を駆使した日本のテキスタイル開発の技に熱い視線が注がれている。
「Kimono Refashioned」展では、オランダの先鋭的なデザイナー、イネス・ヴァン・へルペンの作品を紹介している。2016年秋冬コレクションで発表されたこのドレスには、日本の繊維メーカーが開発した極細の糸を使って織り上げた素材に伝統的な絞りの技法が施されている。日本の繊維産業が持つ伝統的な染織技術は、今後も重要な意味を持つだろう。
きものの未来
ファッションは今、世界で共有される。私たちは、世界中どこに行っても変わりようのないものは、利便性と引き換えに退屈さをもたらすことに気づく。すべての人間に共通なものは、結局、誰のものでもないと。こうした時代において、西欧文化圏外というきものの立ち位置は、むしろ優位に働くことになるだろう。日本文化という独自性の中で育まれたきものは、着ることについての多様性が求められる時、新鮮な発想を与えてくれる。きものは決して過去のものではない。これからも人々の心を捉え、クリエーターを刺激する存在である。
(バナー写真=2019年にサンフランシスコ・アジア美術館で開催された「Kimono Refashioned」展の会場風景 © Asian Art Museum of San Francisco)
(*1) ^ 江戸時代の小袖の流れを汲む、いわゆる和服。着るもの全般を示す「着物」と区別するために、筆者は「きもの」と表記する。



